Photo par courtesy of/courtosie de L-Abe

Drogue: se laisser transpercer par les ondes

Article par Dominic Tardif | jeudi 18 fvrier 2021

C’est de la faute à un gars que tout le monde appelait Fern, si Louis Cyr, alias Ludwig Wax, a été inoculé par ce virus communément appelé le rock’n’roll. « Son vrai nom, c’est Pierre Ferland », se souvient-il au sujet du type qui lui donnera envie de consacrer une partie de vie à se brasser les foufounes avec un masque de luchador sur la tête, à occuper toute la scène à genoux et à chaque soir flamber dans le feu de l’action (quitte à finir seul comme tous ceux de sa race). Autrement dit : à un jour devenir au sein du Nombre un des plus flamboyants chanteurs de rock de la province de Québec, moitié saltimbanque, moitié trompe-la-mort.

Drogue, Ludwig WaxNous sommes à Québec, au début des années 1990. « Fern était DJ le mardi soir au Midnight et il avait parti avec Gourmet Délice [bassiste des Secrétaires Volantes, de Caféïne et du Nombre, fondateur de l’étiquette Blow the Fuse, aujourd’hui dans le giron Bonsound] un groupe de reprises obscures de punk et de rock. Ça s’appelait Kaopectak et c’était incroyable ! Fern était un gars très calme, mais sur scène: wo ! On s’imagine toute sorte d’affaires sur les rockstars, mais Fern, c’était la vraie première personne que je voyais monter sur scène, entrer en transe et après retourner à sa petite vie. Je me suis dit: Moi aussi, je vais faire ça. »

Il enregistre en 1996 « dans une cave à Cap-Rouge » Fun Bomb!, unique disque de Demolition, son premier groupe, dont je lui montre la pochette depuis mon côté de la visioconférence. « Regarde à l’intérieur ! Tu vois qui a réalisé l’album ? » Oui, je vois très bien qu’il s’agit de Stéphane Papillon, avec qui Ludwig Wax renouait récemment au sein de Drogue, nouveau supergroupe québécois aussi composé du héros de la six cordes Jean-Sébastien Chouinard, ainsi du bassiste Fred Fortin et du batteur Pierre Fortin (de Gros Mené et Galaxie).

« Quand j’ai terminé mon cégep, les deux groupes en finale de Cégeps en spectacle, c’était le groupe à Papillon et le groupe à Jean-Philippe [Dynamite Roy, guitariste des Secrétaires Volantes, du Nombre et parolier de Drogue]. Papillon avait chanté I Wanna Be Your Dog et c’était la première fois que j’entendais du Stooges avant même d’entendre du Stooges. »

Funambule du rock, grand enfant lâché lousse, trublion aussi magnétique que vraisemblablement un peu masochiste; Ludwig Wax deviendra lui-même une sorte de Iggy Pop québécois, n’hésitant jamais à enrouler son fil de micro autour de son cou, à grimper partout, à se catapulter dans la foule et à faire la couleuvre par terre, un modus operandi qu’il adopte dès Demolition et qui le guidera jusqu’au troisième et ultime du Nombre, Vile et fantastique (2009)

« C’est-tu l’aube, c’est-tu l’aube, c’est-tu l’aube, c’est-tu l’aube ou le crépuscule ? / Un jour je me bats, y’en dix autres où je capitule », hurle-t-il aujourd’hui dans L’aube ou le crépuscule, galvanisant brûlot tiré du premier EP de Drogue.

« Pour moi, Jean-Philippe Roy, c’est un auteur-compositeur extrêmement important de notre francophonie punk rock », plaide Louis au sujet de son camarade de longue date, que l’on pourrait qualifier de semi-retraité du rock. « Dans cette chanson-là, Jean-Philippe se demande: Est-ce qu’on a les pieds dans la tombe ou en dehors de la tombe? Quelle est l’attitude à prendre par rapport à la vieillesse à notre âge, alors qu’on a tous à peu près 50 ans ? »

Quelle attitude Ludwig Wax adopte-t-il lui-même face à son vieillissement ? Inventaire de ses bobos : Ludwig Wax a « des rotules typiques de quand t’as souvent décidé de sauter de très haut pis d’atterrir sur les genoux comme un innocent » et des problèmes de colonne vertébrale liés à ses cascades, en plus d’une épaule qui lui fait des misères depuis qu’il se l’est séparée pendant un spectacle de Demolition présenté au Japon à l’occasion d’un sommet du G8 en 2000.

« L’attitude que j’ai décidé de prendre par rapport à la vieillesse ? » Réponse sans équivoque offerte dans un grand éclat de rire: « J’ai décidé de jouer dans Drogue ! »

Si c’est en usant de ruse que Stéphane Papillon et Jean-Sébastien Chouinard sont parvenus à l’enrôler – il croyait en se pointant à une réunion qu’il ne collaborerait qu’à une seule pièce d’un album solo de Papillon – le chanteur se meurt, maintenant qu’il a le doigt dans l’engrenage, d’à nouveau « sentir le souffle des amplis ». Comprendre: à cause d’un certain virus (malheureusement plus ravageur que celui du rock), les membres de Drogue ne se sont jamais encore tous retrouvés dans la même pièce. Et c’est ainsi que seul Ludwig Wax apparaît (en homme-sandwich!) dans le vidéoclip de De la poudre aux yeux, un hommage au personnage de Guy L’Écuyer dans Au clair de la lune (1983) d’André Forcier.

« Quand je monte sur scène, je veux être en communion avec la musique. Je veux être transpercé par les ondes de la batterie, des guitares, de la basse. Je sais que ce n’est pas tout le monde qui aime la musique forte, mais moi, j’adore ça. Ça rend plein de musiques plus intéressantes. Il vient toujours un moment, quand j’écoute de la musique ou quand je chante, où je me dis: il faudrait que le son soit encore plus fort. »

Photo par courtesy of / courtoisie de Tom Sandler. Left to right/De gauche à droite : Frank Sinatra, Ruth Lowe, Tommy Dorsey.

D’où vient cette chanson? : « I’ll Never Smile Again » de Ruth Lowe

Article par David McPherson | vendredi 19 fvrier 2021

Depuis toujours, les événements tragiques, les séparations et la perte d’êtres chers inspirent des chansons. Bien que leurs auteurs y racontent des expériences personnelles, ces chansons qui sont en harmonie avec leur temps continuent parfois de rejoindre un public longtemps après la disparition de leur auteur-compositeur – parce que les sentiments évoqués par les paroles et la musique ne démodent pas.

« I’ll Never Smile Again » est une de ces œuvres, inducted into both the Canadian Songwriters Hall of Fame (CSHF) et à l’American Recording Hall of Fame et reste un trésor de notre patrimoine musical.

Nous sommes dans les années 1930. La Grande Dépression s’éternise. Il n’y a presque pas de travail. L’Europe se dirige vers la Deuxième Guerre mondiale. À Toronto, Ruth Lowe, une jeune femme de 23 ans, écrit « I’ll Never Smile Again ». Cette ballade sentimentale lui est inspirée non pas par une, mais par deux énormes pertes : la mort de son père en 1932, puis le décès de son mari en 1939.

Lowe était une musicienne accomplie. Après la mort de son père, elle a fait vivre sa famille en vendant ses chansons et en les interprétant elle-même.  C’était de début de l’âge d’or des Big Bands. Lowe était de la partie. Après l’avoir entendue chanter un soir à Toronto, Ina Ray Hutton l’invita à se joindre à plein temps à l’orchestre entièrement féminin qu’elle dirigeait. Lowe a accepté et est partie en tournée.

Après un concert présenté un soir à Chicago, l’autrice-compositrice acceptait de faire une sortie avec un homme qu’elle ne connaissait pas encore, l’agent publicitaire musical Harold Cohen. Ce fut le coup de foudre mutuel, et ils se sont mariés peu après. Un an plus tard, le malheur frappait une seconde fois avec la mort subite de Cohen.

« C’est la perte des deux hommes de sa vie dans un espace de temps aussi court qui lui a inspiré la chanson », raconte son fils Tom Sandler. « Maman avait le cœur brisé. Un jour, elle a dit à ma tante qu’elle ne pourrait “plus jamais sourire sans lui”, et le lendemain, elle écrivait  d’un trait cette chanson obsédante. »

Lowe partagea ensuite la chanson avec le chef d’orchestre de variété torontois Percy Faith, qui l’a tout de suite adorée.  Avec la permission de l’autrice-compositrice, Faith a créé les arrangements de la chanson et l’a enregistrée sur 78-tours avec son orchestre.  Elle a été diffusée pour la première fois en 1939 sur les ondes de la radio de la CBC dans le cadre de l’émission régulière Music By Faith.

Mais Lowe savait qu’elle détenait un succès qui pouvait largement dépasser les frontières du Canada. Ambitieuse, l’autrice-compositrice en partagea l’enregistrement et la partition avec le chef d’orchestre de jazz Tommy Dorsey par l’entremise de son guitariste – qui fréquentait une des amies de filles de Lowe à l’époque. Le chef d’orchestre a écouté la chanson « I’ll Never Smile Again » et, comme Percy Faith avant lui, elle l’a vivement ému.

Ruth Lowe, First Billboard Chart, I'll Never Smile AgainDorsey a fait de nouveaux arrangements pour la chanson avec son orchestre et l’a ensuite présentée à Frank Sinatra et aux Pied Pipers, qui l’ont enregistrée. Cette chanson sentimentale a non seulement lancé la carrière de Sinatra, mais elle a constitué son premier succès No. 1 au palmarès de Billboard en plus de se hisser en première place du palmarès moderne de Billboard, qu’elle a dominé durant 12 semaines consécutives en 1941.

« Avec la guerre qui battait son plein en Europe, les cœurs brisés se multipliaient », observe Sandler. « Il y avait toutes ces femmes qui perdaient leur petit ami ou leur mari, et voici qu’arrive une chanson qui raconte l’histoire d’une femme qui pleure son homme. La chanson a résonné. Je la considère comme un moment important de l’histoire de la musique : Dorsey, maman, Sinatra, la guerre… tout s’est emboîté. La chanson fait un tabac dans les palmarès! »

Comme toutes les grandes chansons, plus d’un demi-siècle plus tard, « I’ll Never Smile Again » résiste à l’épreuve du temps. C’est l’œuvre qui a donné à Frank Davies l’idée de créer le Panthéon des auteurs et compositeurs canadiens. Au cours des décennies, elle a été reprise Fats Waller, Sarah Vaughan, Billie Holiday, Big Joe Williams, Count Basie, Dave Brubeck, Oscar Peterson, Eddie Arnold, The Platters, Carl Perkins, Cleo Laine, Barry Manilow et Michael Bublé, pour ne nommer que ceux-là.

Au cinéma, la chanson a été entendue dans les films Good Morning, Vietnam et The Color of Money, puis, à la télévision, dans The Fugitive, McHale’s Navy et Leave it to Beaver ainsi que dans les émissions d’Ed Sullivan, Perry Como et Lawrence Welk.

Un héritage impressionnant pour une chanson écrite par une jeune veuve torontoise de 23 ans au cœur brisé.

 Pour en savoir plus sur le patrimoine de Ruth Lowe dans le domaine de la chanson, on peut lire Until I Smile at You, un livre de Sandler et Peter Jennings publié en 2020, ou se rendre sur www.untilismileatyou.com

Photo par Bill Miller

Trucs de métier : Pro auteur-compositeur et producteur Rob Wells

Article par Perry Stern | mercredi 17 fvrier 2021

Quand l’auteur-compositeur et producteur Rob Wells explique sa préférence pour les collaborations plutôt que la création solo, c’est vers les analogies sportives qu’il se tourne. « Une coécriture, c’est comme découvrir comment jouer au tennis », explique-t-il. « On commence par jouer seul en frappant la balle contre un mur. On finit par comprendre comment la balle reviendra vers nous », poursuit-il. « Mais quand on commence à jouer avec quelqu’un d’autre, on n’a aucun moyen de savoir comment la balle nous reviendra. Aucune idée si elle ira vars la gauche, la droite, le haut, le bas ou dans le filet », conclut-il.

Wells a remporté trois Prix No. 1 SOCAN :

* « All About Me », interprétée par Matt Dusk en 2006
* « Comme Avant », interprétée par Marie-Mai en 2011
* « Un coup sur mon cœur » interprétée par Marc Dupré en 2013

Nous l’avons joint chez lui à Pickering, ON, où il est en confinement avec sa famille de cinq enfants et il poursuit son explication. « C’est lorsque j’ai commencé à collaborer avec d’autres gens et beaucoup de gens différents que j’ai commencé à vraiment trouver la joie de la création et de la production musicale. »

Cette joie s’est accompagnée de plusieurs prix et distinctions, dont trois Prix #1 SOCAN, plusieurs certifications de ventes multi-Platine, Platine et Or, et une discographie qui inclut des succès pour une cavalcade de vedettes internationales et canadiennes et une variété impressionnante de styles musicaux : Justin Bieber, Ariana Grande, Corey Hart, Randy Bachman, The Backstreet Boys, Serena Ryder et Selena Gomez.

Wells se tourne de nouveau vers le sport lorsque vient le temps de donner des conseils aux débutants. Il compare le processus d’un auteur-compositeur à celui d’un culturiste. « Le premier jour où vous allez au gym, vous soulevez des poids d’un kilo et ça vous semble vraiment ridicule et stupide, mais après une demi-heure vous réalisez que “Wow, mes bras deviennent un peu douloureux”. Vous augmentez les poids au fil du temps jusqu’à ce que, après quelques années, vous vous retrouvez sur le banc à faire des haltères de 115 kilos. C’est un processus qui prend du temps, il n’y a pas de raccourci entre le point A et le point B. »

Vous travaillez sur cette première chanson, comme il le dit, « en trouvant une mélodie, des accords, des paroles simples, et puis vous ne vous attardez pas sur cette chanson, mais vous passez à l’écriture d’une autre. Termine ça en une journée, puis passe à une autre et une autre. Au bout d’un an, tu vas regarder en arrière et te dire “Wow, j’en reviens pas comme ces vieilles chansons sont pourries, mais écoutes ce que je fais maintenant !” La qualité de ton travail augmente exponentiellement quand tu commences à collaborer avec d’autres artistes. » Et si vous travaillez comme Wells, les « Wows » seront nombreux.

« La qualité de ton travail augmente exponentiellement quand tu commences à collaborer avec d’autres artistes »

Inévitablement, vous aurez envie de pousser le contrôle que vous avez sur le produit fini en commençant à produire vous-même. « À mes débuts, j’écrivais des chansons et c’est l’interprète qui choisissait son producteur. Très souvent. Et j’étais très déçu quand j’entendais le résultat. Rien à voir avec l’ego. C’est juste que pour moi, la musique et tellement émotionnelle et communicative. En étant responsable de la production de mes chansons, je suis en mesure de communiquer exactement l’émotion que je cherche à transmettre. »

Même lorsqu’il a son chapeau de producteur, Wells place toujours la chanson à l’avant-plan. « Je ne pense pas à la production tant que la chanson n’est pas terminée », dit-il. « Une fois la chanson écrite, je me concentre sur le refrain. Le refrain est la partie la plus importante de la production, j’essaie de le rendre le plus imposant possible avec le moins d’instrumentation possible. Comme ça, tu pars d’un refrain qui sonne comme une tonne de briques sans tomber dans le piège de la sur-production, et tu rebrousses chemin en simplifiant les choses pour ton prérefrain, en simplifiant encore plus pour tes couplets et en simplifiant vraiment beaucoup pour ton intro. »

« Si tu travailles dans l’autre direction, en commençant par l’intro et en ajoutant plus d’instruments pour le couplet, encore plus pour le prérefrain, quand t’arrives au refrain, c’est presque cacophonique et assurément sur-produit. »

Wells a enseigné à l’Institut Harris et à la Lakefield College School, mais les producteurs et compositeurs débutants peuvent en apprendre plus directement de lui grâce à sa série de tutoriels sur YouTube (comme le premier, intégré dans cet article).