Photo par Joey James

Allie X : le besoin d’être reconnue

Article par Sarah MacDonald | jeudi 26 mars 2020

Allie X est un Lion. La vedette des signes du zodiaque aime avoir l’attention des gens. Il veut qu’on le remarque. Il en va de même pour cette artiste pop de Toronto établie à Los Angeles. Allie X veut être vue. Le hic, c’est que son approche artistique était en conflit avec sa réalité en tant qu’adolescente grandissant dans une banlieue ontarienne. Elle a dû affronter la dure réalité et admettre que les autres ados sont cruels et vous rendront la vie difficile si voues êtes le moindrement différent.

« Quand j’étais au secondaire, je voulais vraiment qu’on me remarque, mais socialement j’essayais de passer inaperçu. J’étais prête à accepter qu’on soit cruel avec moi en échange du fait qu’on me reconnaisse. »

Ce sont ces expériences qui sont la fondation du somptueux deuxième album d’Allie X, Cape God. En surface, ce nouveau projet semble très différent de ses précédents, a fortiori lorsque l’on compare Cape God à la pop plastique de son EP Super Sunset. Au chapitre des sonorités, elle prend des détours et se fait silencieuse avant de se propulser dans ce qu’elle appelle un « party segment ». C’est différent, mais on ne s’attendrait à rien d’autre d’elle, n’est-ce pas ?

Allie affirme qu’il était grand temps qu’elle confronte certaines des expériences difficiles de sa jeunesse, ce qu’elle n’a jamais fait auparavant. La majorité des articles et critiques publiés jusqu’à maintenant au sujet de Cape God parlent du fait qu’Allie a été touché par le documentaire Heroin : Cape Cod, USA. Le documentaire a certes une certaine importance dans ce projet, mais c’est avant tout un exercice d’ouverture émotionnelle où elle fait preuve d’empathie envers une version plus jeune d’elle.

« Ce que le documentaire a fait, c’est de me placer dans un état d’esprit où j’ai été en mesure d’explorer de vieilles émotions à l’aide de personnages », explique-t-elle. « Je m’identifiais à la peur, au désespoir et aux lutes des gens dans le documentaire. L’isolement et la difficulté à établir un lien avec notre famille, la honte, la gêne, ne pas savoir ce que l’avenir nous réserve à tous les niveaux. »

La création de Cape God s’est faite très facilement, à sa grande surprise. De toutes ses créations, incluant l’écriture de chansons pop pour d’autres artistes comme BTS, récemment, Cape God est celle qui a vu le jour le plus facilement. Elle n’a pas eu à se forcer ni à écrire et réécrire. C’est en vase clos, à Stockholm, Suède, qu’Allie a produit cet album en compagnie de quelques personnes, principalement Oscar Görres et James Alan Ghaleb.

L’album débute avec « Fresh Laundry », une pièce mélancolique et nostalgique. La définition de ce que « normal » signifie refait surface à plusieurs endroits, comme sur « Regulars », « Life of the Party » et « Super Duper Party People ». La dernière pièce du disque, « Learning in Public » est probablement le joyau de cet album, et c’est en quelque sorte un hommage à elle-même, un regard sur ce que ça signifie de grandir. (Ça n’est jamais facile.) Elle boucle la boucle avec « Fresh Laundry » et elle affirme que c’est un choix de séquence tout à fait volontaire dont elle est fière.

Cape God est un espace liminal, mais c’est également, comme Allie le confirme, un espace sécuritaire qu’elle a créé elle-même afin de pouvoir y faire le ménage dans ses émotions de jeunesse. « J’avais envie de créer un endroit plein de beauté et dont je contrôlerais l’esthétique », dit-elle. « C’est un espace où je me rends, où je suis en contrôle et où je peux exister sans aucune crainte. Je pense que c’est pour ça que l’écriture de ce projet a été aussi agréable. »

Selon elle, ce projet documente une période de sa vie pour laquelle elle ne s’est jamais sentie équipée avant maintenant, alors qu’une dose de maturité, de croissance et d’expérience lui permet désormais d’absorber tout ça. Elle a créé un dialogue empreint de sympathie et de tendresse entre une personne (Allie) et une autre (Allie ado) que pratiquement tous les adultes seront en mesure de comprendre.

Pas facile d’être jeune. On doit composer avec un manque d’expérience alors même qu’on se fait dire que c’est la plus belle période de notre vie et qu’on s’attend de nous qu’on soit au cœur de la culture. Alors lorsque de surcroit on est artistique et authentiquement différent, ça ajoute une couche de difficulté. Le désir d’Allie d’être vue et entendue, de faire quelque chose de remarquable avec sa vie est en train d’être assouvi, mais il n’y a rien qu’elle aurait faire, plus jeune, pour se rassurer que ça arriverait. Il fallait qu’elle grandisse et soit patiente.

Jesse Zubot : Ils lancent, il compte

Article par Nick Krewen | vendredi 27 mars 2020

Jesse Zubot est bourré de talents.

Non seulement il joue divinement bien du violon, mais sa versatilité lui a permis d’enregistrer avec Steve Dawson (son complice dans le duo folk Zubot and Dawson) des albums couronnés de prix JUNO, de créer des cocktails de jazz bluegrass pour Great Uncles of the Revolution et de se joindre aux instrumentistes post-rock du groupe Fond of Tigers. Accompagnateur de la chanteuse de gorge inuk Tanya Tagaq en tournée et réalisateur de ses albums de 2014 (Animism, couronné d’un prix Polaris) et de 2016 (Retribution), il a accompagné Dan Mangan, Hawksley Workman, Stars et plusieurs autres artistes en tournée. Il a été engagé pour travailler en studio avec Destroyer, Mother Mother et Alan Doyle, pour ne nommer que ces artistes.

Depuis quelque temps, c’est une autre passion qui l’interpelle.

« Je sentais déjà il y a plusieurs années que je me concentrerais un jour sur la musique à l’image », révèle Zubot, qui s’est attiré beaucoup d’éloges pour la musique du film Cheval indien. « Mon évolution m’a naturellement amené à créer des paysages sonores et à introduire une foule d’effets éthérés et surréels dans mes albums et en studio. Avec Tanya, je me suis mis à créer un son particulier qui me semblait fait pour la musique à l’image. »

« Mon évolution m’a naturellement amené à créer des paysages sonores. »

Zubot raconte que, après avoir indiqué à ses connaissances qu’il souhaitait poursuivre plus sérieusement ce qui n’avait jusque-là été qu’un passe-temps, on s’est mis à lui commander des musiques de courts métrages. « J’ai obtenu mon premier long métrage lorsque mon ami Dan Mangan m’a demandé de l’aider à arranger et à créer la musique de Hector et la Recherche du bonheur », raconte Zubot. « Une plutôt grosse affaire vu que le film mettait en vedette Simon Pegg et Rosamund Pike dans les premiers rôles. Ça m’a catapulté dans une nouvelle sphère. »

Parce qu’elle aimait la trame sonore du film, la réalisatrice Christine Haebler, du studio vancouvérois Screen Siren Pictures, a aidé Zubot à se trouver des mandats pour d’autres longs métrages, notamment pour Two Lovers and A Bear, film mettant en vedette Tatiana Maslany et Dane DeHaan et réalisé par Kim Nguyen, en nomination aux Oscars. Zubot vient juste de terminer la musique de Monkey Beach, d’après le roman d’Eden Robinson, et celle de The Whale & The Raven, un documentaire réalisé par Mirjam Leuze. Ses projets à venir incluent un film de l’ONF sur la chanteuse Tanya Tagaq. « Actuellement, je travaille plus ou moins sur quelques musiques de film en même temps », explique-t-il.

Pour Cheval indien, film qui raconte l’histoire d’un jeune Autochtone qui vit dans un pensionnat indien et rêve de devenir hockeyeur — histoire plus ou moins basée sur celle du joueur de la LNH Reggie Leach — Zubot a utilisé trois chanteurs : Wayne Lavallee, artiste métis de Vancouver-Nord ; Eugene Harry, ministre de la Squamish First Nations Shaker Church et membre de la tribu Cowichan ; et Marie Gaudet, chanteuse anishinaabée torontoise.

« J’ai réparti leur travail à travers le film pour m’assurer qu’il contienne de la matière autochtone authentique », explique Zubot. « Le défi, c’était de créer une trame sonore capable d’appuyer une histoire qui se passait dans le réseau des pensionnats indiens, mais sans prendre trop de place. Quelque chose de subtil, mais de dégagé, qui me permettait de faire ce que j’aime faire. »

Réalisé par Stephen Campanelli, cadreur de longue date de Clint Eastwood, et basé sur un roman de Richard Wagamese, Cheval indien était placé sous la direction de Clint Eastwood comme chef de production. La trame sonore qui l’accompagne a largement été composée sous l’inspiration du moment.

« Généralement, je reçois le scénario trois ou quatre mois à l’avance, puis je me familiarise tranquillement avec le texte en me faisant une idée subliminale de l’histoire », explique Zubot. « J’essaie de ne pas trop y penser. Ensuite, je reçois quelques premières images et différentes scènes du film — même si les couleurs n’ont pas encore été éditées ou complètement montées — et je commence à improviser en regardant les vidéos. Lorsque je crée, je laisse les impressions que me fait ressentir l’histoire s’amalgamer avec ce que je vois à l’écran et guider mon improvisation. Je crée les sketches initiaux et m’en sers comme point de départ. Pour moi, ce qui compte, c’est l’émotion et l’atmosphère. »

Avec plusieurs musiques derrière lui, Zubot regarde maintenant du côté d’Hollywood. « Je veux passer plus de temps à Los Angeles et travailler avec les cinéastes américains que je respecte. »

 

Sous les projecteurs: Teddi Jones

Article par Melody Lau | mercredi 25 mars 2020

Drake est peut-être l’un des Canadiens les plus connus à avoir collaboré avec Summer Walker, l’étoile montante du R&B, mais il n’est certes pas le seul. La première pièce de son nouvel album intitulé Over It met en vedette un échantillon de l’auteure-compositrice-interprète et productrice audionumérique vancouvéroise Teddi Jones.

« On a été mis au courant une semaine avant la sortie de l’album », raconte Jones au sujet de l’échantillon qu’elle a créé en compagnie de Coop the Truth et qui a été utilisé par Walker. « Ç’a été une expérience amusante. »

Pour Jones, la musique a toujours été un passe-temps qui remonte à l’époque où elle avait 9 ou 10 ans et qu’elle a commencé à écrire des chansons, un processus qu’elle trouvait thérapeutique. Ce n’est que l’an dernier qu’elle a réalisé qu’elle souhaitait en faire une vraie profession. « il y a tant d’avenues qui s’offrent à nous dans cette industrie », dit-elle. « C’est vraiment excitant d’avoir la liberté d’exprimer notre créativité de tant de façons grâce à la musique. »

Jones a également collaboré avec l’auteure-compositrice-interprète R&B montréalaise Shay Lia. Jones a participé à la création de deux des pièces du premier album de Lia, Dangerous : « Rock Baby » et « Find a Way ».

Jusqu’à maintenant, Jones a appris à « faire confiance à mon intuition et à ne jamais cesser d’apprendre », ce qu’elle s’efforce de mettre en pratique dans son travail tout autant que dans sa vie personnelle. Si 2019 a été « une année de préparation », Jones se dit prête à transposer toute son expérience dans sa musique en 2020.

Pour elle, la clé est de tisser des liens avec des artistes qui « partagent mon amour et mon respect de la musique et des gens. C’est au coeur de tout, pour moi. »